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Mis ojos han visto

Antoni Cimolino es una figura interesante en la historia del Festival Stratford Shakespeare. Comenzó su carrera allí como actor a fines de la década de 1980, antes de pasar a una combinación de administración y dirección escénica. Ahora es el Director General del Festival. Él es, como su mentor, el fallecido Richard Monette, un líder nacional, alguien que ha pasado su carrera en el Festival. Pero Monette dejó el Festival para establecerse como artista en otro lugar, alrededor y fuera de Canadá. Regresó para convertirse en director de escena y luego en director artístico solo después de esa carrera.

Se asume ampliamente que Cimolino quisiera ser Director Artístico algún día, y tiene mucho que recomendarle: amplia experiencia administrativa, una buena relación con la comunidad de donantes, conocimiento íntimo de los escenarios de Stratford y la operación artística del Festival. Con suerte, su estrecha asociación con el actual director artístico Des McAnuff le ha permitido establecer sus propias conexiones con la extensa colección de contactos de McAnuff en el mundo del teatro.

No estoy terriblemente preocupado por el hecho de que Cimolino haya pasado básicamente toda su carrera en Stratford. Me preocupa un poco lo que eso significa para la amplitud de sus contactos, pero el tipo tiene prisa. No va a dejar que el lugar se estanque.

Pero lo que he notado, recordando su carrera, es que, como artista, realmente no sé quién es. Es decir: no conozco su visión.

He visto, si mal no recuerdo, cinco producciones dirigidas por Antoni Cimolino a lo largo de los años: un Duodécima noche desde hace una década, un A su gusto, Coriolano, Feria de Bartolomé. Cada producción ha sido sólida. Todos mostraron una comprensión de lo que mantiene a una audiencia con la obra. (Incluso su Feria de Bartolomé hizo lo que pudo con un texto imposible.) Trabaja bien con los actores (después de todo, él mismo era actor). Y tiene algunos ingeniosos trucos de director bajo la manga. Recuerdo su decisión, en su Coriolano, para que las nuevas escenas no comiencen ya que las anteriores todavía terminaban con nuevas personas que entraban al escenario para hablar, la forma tradicional de mantener la acción en movimiento a través de los cambios de escena en Shakespeare, pero haciendo que los jugadores de la siguiente escena suban al escenario tome su lugar literalmente justo detrás de los actores de la escena anterior, para que la acción pueda cambiar en un instante de una escena a otra. Era efectivamente el equivalente teatral de un "corte" cinematográfico e hizo mucho para que esas escenas fueran más inmediatas.

Pero todavía estaba esperando la obra que se siente como algo que absolutamente tuvo que dirigir. Algo lleno de pasión, con un fuego para contar una historia particular, ahora, de esta manera; Una nota de urgencia interna. Quiero saber qué le apasiona.

Debut como director de Richard Monette en Stratford, su 1988Domesticación de la musaraña, que he visto en la película pero que desafortunadamente no pude ver en persona (ya que aún no había oído hablar de Stratford) me mostró su pasión. Vi un verdadero compromiso con la comedia, con ganas de reír, pero también un director que tenía el texto completamente incrustado en la punta de los dedos, de modo que cada broma surgía de una profunda comprensión de la línea, los gags visuales y las lecturas de líneas brillantes que se interpenetraban fructíficamente entre sí. . Pero más que eso, vi una historia de amor y un director que creía en contar una historia de amor. (Y Musaraña es posiblemente la mejor historia de amor de Shakespeare, profundamente conmovedora si se ejecuta correctamente, como lo fue en esta producción). Se sintió como una historia que quería contar apasionadamente. Y lo dijo maravillosamente.

Las primeras producciones de Shakespeare que Des McAnuff dirigió a Stratford no causaron una gran impresión similar. Ciertamente había cosas que me gustaban de su Romeo y Julieta, pero no me encantó la producción o sentí que tenía algo convincente que decir sobre la obra. Pensé que las actuaciones centrales en su Macbeth Eran fuertes e inusuales, pero el concepto de director me dejó frío. Su Cosa divertida sucedió en el camino al foro fue muy agradable, pero no transformador (no esperaría que fuera ese programa), y su producción de César y Cleopatra fue emocionante, pero sentí menos que esta era una historia que necesitaba contar que que quería crear un espacio teatral increíble para que Christopher Plummer, bueno, fuera Christopher Plummer. (Sentí algo similar sobre su Tempestad el año pasado.) No fue hasta que vi su A su gusto que entendí dónde estaban sus verdaderas pasiones. La fusión de la música y el teatro, no en la forma de una comedia musical tradicional, sino más bien en el sentido de crear un mundo entero impregnado de música, es un aspecto de la pasión. La otra es su afinidad por las comedias maduras de Shakespeare, las historias de amor en las que las relaciones entre los protagonistas están empapadas de melancolía y las delicias del mundo son una especie de distracción fructífera de la triste verdad de la soledad suprema, incluso en el amor. Esto salió muy fuerte en su A su gusto, y de nuevo en este maravilloso año Duodécima noche, que aún necesito revisar. (Y su Jesucristo superestrella y César y Cleopatra puede entenderse como inversiones de su tema favorito: historias sobre hombres que no se dejarán amar, o realmente conocerán, porque necesitan proteger su singularidad, en lugar de historias sobre mujeres que anhelan ser amadas y conocidas, pero un poco sé que el amor que obtendrán no estará a la altura de ese deseo. Así que tal vez César Era una historia que necesitaba contar después de todo, y simplemente no la entendía en ese momento).

Este año, la contribución de Cimolino al programa del Festival es Las uvas de ira Adaptado de la novela Steinbeck de Frank Galati. Y aunque la producción no responde a todas las preguntas que tenía sobre quién, teatralmente, es Antoni Cimolino, creo que estoy empezando a tener una idea.

* * *

Lo admito, no soy un gran fanático de Steinbeck. Lo encuentro predicador y aburrido. No me atreví a abordar el libro antes del espectáculo, y temía que podría estar en una noche de posturas realistas socialistas vestidas con melodías country y una bañera costosa.

Pero tengo que dar crédito a Cimolino, a Galati y a todo el elenco del espectáculo, porque lo que obtuve fue una noche de espectáculo teatral convincente.

La estrella principal del espectáculo es el conjunto, un conjunto dominado por tres componentes clave. Primero, el telón de fondo. Esencialmente sin características, sus azules oscuros y rojos invocan una puesta de sol ardiente de polvo. El espacio en blanco del lienzo es realista en un nivel: estas personas provienen de un país plano; lo que verías detrás de ellos no es mucho más que cielo, pero en otro nivel imparte una especie de severidad beckettiana a su situación. Su drama se desarrolla en una especie de no-lugar.

En segundo lugar, el agua. El agua aparece en primer lugar como el río Colorado en el que los diversos hijos de Pa se divierten en su única pausa en el viaje, el río que atrae al extraño hijo, Noah (interpretado conmovedoramente por Steven Ross) en un misterioso viaje propio lejos de su familia. Y el agua regresa tarde en la obra, regresando como una tormenta que provoca una inundación que casi arrastra a la familia justo cuando Rose of Sharon está dando a luz. El agua siempre es un espectáculo animado en el escenario, pero aquí nuevamente algo que podría haber sido simplemente un efecto desarrolla una especie de poder totémico.

Por último, el auto. Una carnicería destartalada que no es lo suficientemente grande para seis tiene que llevar a más de una docena de Joads y sus perchas y todas sus posesiones mundanas. El auto, que domina el escenario durante gran parte de la mitad de la obra, comienza a evocar el carro de Mother Courage (aunque el estoico Ma de Janet Wright tiene muy poco en común con la fuerza de la naturaleza de Brecht).

Esta es una historia contada con imágenes, más comparable a un mural de la era de la depresión que a una novela o una obra de teatro. Y al mirarlo me di cuenta: esta es una parte importante de la forma en que trabaja Cimolino. Su Coriolano, también, se organizó en torno a la creación de un conjunto de imágenes icónicas. La gloria de su Feria de Bartolomé fue la actuación de Lucy Peacock como la mujer cerdo, pero esa actuación estuvo anclada en sí misma por un traje gordo exageradamente exagerado. Su A su gusto estaba anclado, tanto como por la música (compuesta por Bare Naked Ladies para la producción), por la disposición de los cuerpos del elenco durante los números, creando cuadros de nostalgia de los años 60 que fueron reconocibles al instante. Una imagen, no realmente estática, sino una especie de movimiento congelado, más fotográfico que cinematográfico; esa es una parte importante de cómo Cimolino cuenta historias.

Ahora, en este caso, por todo lo que fue, como digo, un poderoso espectáculo teatral y emocionalmente emotivo, diría que, de hecho, no es una historia convincente. Es una historia sobre sufrimiento y resistencia, y es bastante monótona como tal. Hay algunos arcos de personajes rudimentarios, pero dos de los tres principales (el ex convicto Tom Joad y el ex predicador Jim Casy's) son narraciones de conversión estructural: historias sobre cómo, después de ver o experimentar esto o aquello, una persona vio la luz y se puso en camino a la salvación. Y tal vez sea mi prejuicio, pero en general no creo que sea una historia efectiva, o más bien, la efectividad de la historia depende del compromiso preexistente del observador con la fe a la que da testimonio la narrativa de conversión. (Una historia sobre el experiencia de conversión es algo completamente diferente, pero eso no es lo que Uvas es sobre.)

La principal excepción es la historia de Rose of Sharon. La narrativa de Rose no es una narrativa de conversión; la suya es una historia de maduración, una niña malcriada que se convierte en una mujer que da vida. Esa es una historia universal que realmente no depende de nada más que de la experiencia humana. También es un regalo para Chilina Kennedy, quien interpreta el papel maravillosamente. El viaje de mocosa a madonna parece uno que significa algo para ella, y como consecuencia, la urgencia potencia su actuación de principio a fin. (Ese final es una de las grandes imágenes icónicas del siglo XX).

Esta no es una queja sobre las actuaciones. Los dos personajes masculinos principales son interpretados por actores excepcionalmente fuertes: Tom Joad de Evan Buliung y Jim Casy de Tom McCamus, que están perfectamente interpretados en estos papeles. Buliung ha estado interpretando a Tom Joad durante años, y McCamus tiene el encanto vulpino desvanecido adecuado para hacernos ver al predicador lujurioso que una vez fue. Solo digo que el viaje del ex predicador disipado a "ya sabes, me puse a pensar, tal vez necesito apoyar esta huelga" o de "No puedo creer que realmente se ejecuten en la granja, eso hace Estoy tan enojado "," ya sabes, después de lo que le hicieron a Jim Casy, estoy condenado si no voy a tomar su lugar ", estos no son viajes que revelan mucho sobre el interior de estos personajes. Se está haciendo un punto político - efectivamente. Pero eso es todo, razón por la cual el gran discurso de Tom Joad "Estaré allí" es en realidad uno de los momentos más débiles para ese personaje en la obra.

Y todos los otros personajes son quienes son. El abuelo (interpretado por el arrogante Ian Clark) es una vieja cabra randy hasta que muere. Al (un enérgico Paul Nolan) es el joven cabrón randy, hasta que se casa. Noah es de otro mundo, Ma es estoica, Connie no es responsable, el tío John es culpable, y así sucesivamente. Los actores se lanzan a sus personajes y los hacen saltar del escenario a nuestros corazones y nuestras mentes, lo hacen. Pero estas personas no cambian. Ellos sufren. Y ellos aguantan. Y algunos de ellos tienen una idea en la cabeza que podría cambiar el mundo, tal vez. Y hacen discursos al respecto. Pero como personajes, son estáticos. Y como argumento, es solo una maldita miseria tras otra. Y así, como digo, no es una historia convincente en cuanto historia.

Pero es un magnífico mural. Ve a echar un vistazo.

Ver el vídeo: han visto mi ojos al rey. (Diciembre 2019).

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